ANATOMÍAS RODRIGO LARA

Ceramics, metals and dry branches.

Desde el ungimiento del homo-sapiens como especie dominante sobre la faz de la tierra, quizá el tema más recurrente en su expresión artística, ha sido precisamente el hombre mismo. Las millones de manifestaciones artísticas a este respecto dan cuenta de la fascinación que siempre ha existido en el hombre, por el hombre mismo. El escultor Rodrigo Lara no ha escapado a ese encanto. Su obra escultórica está repleta de trabajos en donde el barro y bronce han sido modelados para engendrar a la especie primigenia en el orbe, ya sea en poses que llevan a la idealización del cuerpo en un afán antropocéntrico o bien para representarlo fuera de toda alegoría, en su postura más elemental; la cual da cuenta de la más elemental condición humana, en la que la expresividad de sus rostros da cuenta de su melancolía, aflicción o temor mientras que sus acciones y sus posturas, agregan elementos para completar el discurso que emanan y el medio que les rodea.

El dinamismo que poseen las piezas de Rodrigo Lara, llega a exaltar los sentidos al sumergir al espectador en su contexto e involucrarlo en su circunstancia, mientras que el alma que se desprende de ellas, invitan a sumergirse en un mundo utópico, sin parangón con la realidad cotidiana. 

CLAROSCUROS RAMSÉS DE LA CRUZ

 
Molinos de piedra.

Paloma, canela y albahaca.

El encuentro con uno mismo, la incesante búsqueda por hallar la identidad y definir la personalidad que se encuentra soterrada en cada uno de nosotros desde el momento de la concepción; el rastreo permanente de la esencia creativa como mecanismo para ubicar un sitio propio en el universo, es una temática recurrentemente abordada por Ramsés De la Cruz en su obra. Su pintura -como parte de su técnica-, se encuentra salpicada de una paleta de colores que conduce a un sentimiento oscuro, en donde la ausencia de tonos vibrantes actúan como un catalizador que transporta al observador, casi de manera instantánea, a una contemplación en donde bien se puede encontrar cierto tenebrismo en combinación con cierta trasgresión corporal y una marcada preocupación social. En su obra Molinos de piedra, De la Cruz emite un discurso que empata con las características antes citadas, toda vez que nos muestra el gran realismo derivado de una impecable técnica, la cual lleva a observar de cerca hasta el más minúsculo detalle.

Paloma, canela y albahaca, lienzo plasmado con la misma técnica, transporta al terreno donde lo mórbido emplea un lenguaje de estética inusitada, ante una escena con tintes necrófilos. En ésta, la belleza de la situación, queda prendada de novedad y pureza formal. 

ONIRISMOS HUGO VÁZQUEZ TELLO

 
El repartidor.

Algo en que creer, (versión tercera)

 El tratamiento de lo ilógico como una terapia catártica; la divagación sobre mundos surreales, y la búsqueda de la ficción al merodear sobre mundos imposibles, es la temática que aborda la pintura de Hugo Vázquez Tello, al combinar el realismo con un toque de locura. Situados en un punto donde el tiempo y el espacio carecen de sentido, los personajes en la pintura de este artista, crean mundos paralelos donde la subsistencia está supeditada a factores desconocidos, por lo que el binomio sujeto-objeto expresan al máximo la representación del absurdo, toda vez que igualmente crean en el público una pérdida de la hilaridad en la historia, para así falsear el principio y el fi n del discurso plástico. El repartidor, óleo sobre la tela de Vázquez Tello, invita a circunnavegar en el plano irónico de la estática y la movilidad; de la observación y la ceguera. El personaje pasea sin descanso y pedalea para conducirse por caminos que ni llevan ni llegan a ninguna parte; al tiempo que observa la nada mediante la ayuda de un telescopio, lo que nos remite a una negociación pragmática de su condición.

De esta manera, la pérdida de los parámetros para discernir entre lo absurdo y lo razonable, pierden dimensiones y echan por la borda los intentos de objetividad, toda vez que la realidad se torna fantástica. 

INSTANTES RICARDO AZARCOYA

 
Altiplano boliviano.

Canal de lo tempanos.

Ruta 30: Del Cabo de Hornos a Machupicchu, es un trabajo llevado a cabo por la lente de Ricardo Azarcoya , en donde la fotografía puede ser vista de distintas maneras. Su expresividad poética llega al punto cenital de lo estético, mientras que de forma simultánea, abre ventanas al mundo para transportarnos con una sola mirada a los lugares más exóticos y fantásticos del planeta donde una mirada cientificista puede encontrar variados discursos. Viajero por oficio y fotógrafo por vocación, en cada uno de sus recorridos capta instantes irrepetibles para poner sobre la mesa el significado y lo significante que aparece frente a su mirada. Así, la naturaleza, las costumbres, los colores y las formas son dibujadas por su lente en un intento de evangelización visual al colocar una imagen como el elemento más objetivo de información.

Así pues, Ricardo Azarcoya transmite más que simples instantáneas en su obra, ya que ellas vienen cargadas de vastos discursos donde elementos como el color, musitan realidades complejas; toda vez que hacen una extensa invitación a reflexionar acerca del medio ambiente y la fragilidad que le compone.

En suma, una mezcla de calidad técnica, sensibilidad ante la lente y disparos espectaculares, hacen de la obra -del también conocido como “fotógrafo viajero”-, una muestra que nutre la vista con instantes permanentes en la mente del espectador.

EXPLOSIÓN DE COLOR ALEJANDRA BILBAO

 
De pequeñas historias.

 Emociones, sentimientos, reacciones y explosiones desenfrenadas de la percepción, es lo que Alejandra Bilbao plasma en su obra cada vez que toma el pincel en la mano. La mujer, como temática constante, acapara su atención para que por medio de un inusitado uso de la estridencia cromática y de las formas, emita mensajes que mediante su pintura tomen forma de leves susurros o dramáticos alaridos.

En sus propias palabras, el cuerpo femenino es el mejor vehículo para transmitir emociones, mientras que sus contornos y formas se convierten en el lenguaje del que hace uso para modelar mensajes que hagan sentir “algo” al espectador.

De pequeñas historias, es una obra en la que los sentidos se conectan al unísono para interpretar una imagen con una enorme emotividad. Una joven mujer se lleva al rostro las manos al tiempo que cubre la expresividad que emana de sus ojos y boca. Sin embargo, el observador es remitido a un lugar saturado por instantes fragantes; momentos donde el ambiente está impregnado de esencias florales de tonos carmín, acompañados por el destello de las estrellas en una noche limpia. Así, Bilbao muestra una representación personal de hacia dónde conduce una actitud empática en forma de explosiones de color. 

GUARDIANES DEL NO POSIBLE RUBÉN MAYA

 
Mente dual pastel (tríptico)

Personajes con identidad disímbola, expectantes de las acciones y omisiones de los hombres. Testigos del paso del tiempo y la recreación o regeneración de los espacios. Personajes místicos que esperan la confesión de las culpas inexpugnables y la revelación de los silencios como entes espirituales, en una serie de varios lienzos es la propuesta que el pintor Rubén Maya hace en esta colección pictórica. Cuadro a cuadro que compone la obra, los seres poseen una sobrenatural capacidad de observación distribuida a todo lo largo de su cuerpo, con la cual ciernen una mirada inexpugnable para fungir como mudos observadores, que toman ventaja sobre el individuo que los contempla, para iniciar una suerte de escrutinio interactivo, mediante el cual se confunden los papeles del observador y el observado.

La repetición de personajes en la obra, actúa como una suerte de construcción dramática en la que hay posibilidad de observar múltiples historias, en las que cada individuo representado ofrece un pasaje susceptible a interpretación. Las fi - guras antropomorfas muestran imágenes tanto de varones como de féminas, quienes mediante su expresividad, atuendos, expresiones o conformaciones corporales, explican pasajes laberínticos en las que es imposible quedar abstraído. 

URBANISMOS GUSTAVO VILLEGAS

 
Barrio chino.

Calificada dentro de lo figurativo como “expresionismo foto-realista”, el trabajo pictórico de Gustavo Villegas, es una aproximación a diferentes técnicas plásticas para ofrecer una propuesta en la que pintura, fotografía y medios digitales, ofrecen una alternativa para la creación contemporánea.

Anywhere, como es intitulada esta obra, ofrece una perspectiva de la cotidianeidad vivida al interior de las grandes urbes, como un pasaje congelado en el tiempo, en donde los elementos inmersos vociferan las vivencias de un ciudadano promedio, en un oasis de concreto y hierro.

Teniendo como antecedente técnicas pictóricas basadas en la acuarela, Villegas hace uso de una característica llamada “a la prima”, en donde una vez preparada la pintura, la aplica directamente, no a través de muchas capas; por lo que procura ser lo más preciso al momento de preparar el color, ya que donde queda la mancha y la textura de color, no hay opción de agregar capas encima.

De esta manera, Gustavo Villegas plasma su vivencia al estar en contacto con la urbe, ese engendro devorador y aglutinador de recursos en donde se concentra ya la mayor parte de la población mundial; un fenómeno que por sus múltiples aristas e inagotables temas, siempre es interesante la indagación por múltiples medios mientras que el enfoque estético, ofrece una mirada más profunda de escrutinio introspectivo.